Nella Foto, Giuseppe Burgio con Vittorio Sgarbi alla mostra Pittori di Sicilia (Favignana, 2014)

Giuseppe Burgio è siciliano; e nonostante viva ormai da dieci anni in Emilia nella sua tavolozza mediterranea e solare, visibile nell’esposizione intitolata Opere recenti presso la Galleria Metamorfosi di Reggio Emilia, si respira il profumo della sua terra d’origine, terra calda e sensuale, dai colori infuocati. Sarà per quelle cromie così accese, per quei gialli impregnati di sole, per quel mare reso ancora più blu dalla lucentezza e plasticità dell’acrilico, per quei cieli infiammati e accecanti e quelle terre assolate e secche delle quali pare di sentire il calore bruciante; una pittura realista, di quel realismo “sociale” che a prima vista riporta ai colori mediterranei delle opere intrise di meridionalità di Migneco, in realtà profondamente interiore, dove il paesaggio e la natura vengono trasfigurati dalle emozioni e dalle profonde sensazioni del pittore.

«Non c’è un’ispirazione verso una corrente vera e propria nelle mie opere – afferma l’Artista – provengo da una cultura espressionista tedesca per cui mi sono abituato a guardare le cose con gli occhi di dentro.

Ma i colori crudi che utilizzavo nei primi anni della mia ricerca si sono attenuati col tempo e mi hanno portato ad una saturazione dei sensi. Partendo dal realismo sociale sono arrivato ad un’espressione più didascalica delle cose».

Pittura di denuncia, quella di Burgio, che nella serie dei Tetti morti ammassa oggetti d’uso quotidiano ormai inutili, ora scarpe, lattine, cravatte, bambole, ora ricci di mare e girasoli, pezzi di carta di giornale e ferri da stiro, raccolte insieme su quel tetto assurto a piccola discarica dei sogni, pulsano come cose vive legate alla memoria, rivivono nella composizione di matrice cubista alla maniera dei trompe-l’oeil di Braque, intervallate dalla ritmica geometrica delle tegole, contornate di nero come i tubi e gli oggetti sospesi di Leger perché «il contorno – afferma l’Artista – accentua e delinea l’essenza delle cose».

Contro la moda del consumo “usa e getta”, le piccole discariche di Burgio assumono una nuova anima, diventano presenza viva, un cuore che batte, ritrovano un loro significato intimo e nascosto e lo lasciano affiorare di nuovo alla luce. E poi ci sono i paesaggi dalla stesura satura e lucida dell’acrilico, i cieli turbolenti movimentati da macchie di blu diversi e il sole arancione, palla di fuoco che illumina come nei Faraglioni di Lipari, o paesaggi silenziosi e notturni, oasi di pace e tranquillità (notturno mediterraneo), case arroccate l’una sull’altra che soffocano lo spazio, dove la pennellata corposa si sposa al silenzio delle cose ed alla placidità del mare fermo; le nature morte, la tensione delle arance sul tavolo che gridano con un grido sommesso e nascosto un urlo di Munch (Arance e limoni ), le raffigurazioni simboliche del telefono, delle carte e caffè, simboli del vizio, cravatte segno d’effimero, gli amati ricci di mare dentro a pezzi di giornale (Frutti di mare e frutti di terra), tutto quanto nell’opera di Burgio rimanda ad una dimensione “altra”, intimista e suggestiva, dove le cose non sono solo cose, i paesaggi non sono solo paesaggi e gli ulivi non sono solo gli ulivi saraceni della terra di Sicilia.

Ulivi dal tronco contorto e tormentato, ulivi scavati e contratti, illuminati da una luce orizzontale, immersi in prati verdi mossi da una leggera brezza, elemento inusuale di tranquillità che trasforma l’atmosfera di angoscia dei primi lavori, dove il cielo incandescente bruciava gli alberi selvaggi (Uliveto) in soffusa e serena liricità (Ulivi saraceni, uliveti ad aprile) perché come scrive Giorgio Segato «la sua pittura non si sofferma sul piano superficiale del naturalismo descrittivo e la sua pittura agisce a livello di impressioni e di sensazioni forti, introiettate e verificate nell’emozione, senza cedimenti eccessivi sul versante simbolico e allegorico»; a chiudere il tema del nudo studiato all’Accademia, due bellissimi nudi dal tratto netto di matrice realista, uno di schiena dai contorni marcati che ricorda le donne sfacciate di Guttuso e un bellissimo omaggio a Diego Rivera, che presenta gli stessi connotati del quadro del celebre artista, con l’aggiunta di elementi di colore come le foglie delle canne e il tappeto rosso, visione personale di questo Artista dai sensi saturi.

Beppe Burgio è un bel pittore, per usare un’espressione in voga negli anni Cinquanta quando si voleva definire bravo un pittore. È anche un uomo sincero, per usare un’espressione in voga da sempre quando si vuole definire un uomo sincero. Sensibile alla Storia dell’arte e alla storia a lui contemporanea, come certi musicisti insigni, non ha mai cercato di nascondere il suo amore per i maestri.

Nel suo caso, l’espressionismo tedesco, Guttuso, Modigliani e Van Gogh. Come fanno i poeti illustri, Burgio fissa immediatamente le sue sensazioni. In questa mostra, dove espone ben 40 quadri, le vediamo tradotte in acrilico su tela. Ecco le Nuove schiave, quattro giovani prostitute, donne oggetto, finite fin qui da noi nello stivale da ogni parte del mondo.

Si riposano fra un assalto e l’altro immerse in un disordine di sigarette spente, telefoni cellulari, gomme americane e un simpatico gattino nero. Il caos di questo quadro è quello della loro vita, ma Beppe Burgio, come re Mida rendeva d’oro tutto ciò che toccava, rende umano, commosso, speranzoso qualsiasi suo quadro. Protestano le Donne di pianura per troppa monnezza, occhi neri ci guardano, braccia buttate, perché Burgio, è pittore del terzo millennio e non ama il manierismo. Melancolia profonda, s’intitola il ritratto di questa giovane, bella, inquietante come quella della famosa tela di Corcos.

Batte il cuore di Burgio per la figura femminile che egli ci presenta avvolta in una voluttà da Cent’anni di solitudine. Dodici vedove a causa del disastro della Thyssen si disperano e protestano con una drammaticità superiore, a causa della morte, di quelle quattordici donne di Pianura.

Burgio ama sdraiare le persone nei vecchi giornali per contestualizzare il dipinto e le circonda sempre di arance perché è il frutto che preferisce. Questa trans brasiliana ci guarda in modo inquietante.

Nei quadri di Burgio solo le bambole giocattolo hanno gli occhi azzurri. Se il pioppeto a ottobre è un omaggio all’Emilia che l’ha accolto, i ventotto ulivi frustati dal vento nella Sicilia dei Moncada ci riportano subito nella sua terra, come i sette ulivi nella pietraia, i tre ulivi saraceni e i cinque sciroccati dal vento.

Beppe Burgio non è di Stoccolma, il suo linguaggio pittorico è simile a quello narrativo di Andrea Camilleri. Descrivendo però bene una cellula, la propria cellula, dopo averla guardata al microscopio, si può creare un linguaggio universale. Consolatio afflictorum s’intitola questa pietas sicula, ma i sentimenti descritti in questa scena sono uguali a quelli di qualsiasi madre, aborigena o scandinava, indiana d’America o indiana d’India.

«Hic sunt leones». Vincenzo Consolo, nella bella prefazione alla mostra di Giuseppe Burgio nella nativa Sicilia, scrive invece «illic sunt leones».

Sarà probabilmente una licenza poetica; ma non è su ciò che io mi voglio soffermare. La frase, certamente apodittica, voleva significare, per i geografi e i cartografi dell’epoca, che fin là era il mondo conosciuto.

Oltre v’erano le fiere, i leoni, appunto. Tutto coincide con la vicenda umana ed artistica di Giuseppe Burgio.

Per quelle strane disposizioni dell’esistenza egli, nato nell’estremo lembo tirrenico della Sicilia, volente o nolente emigra nelle plaghe estreme dell’Italia, ove il mare e il sole somigliano molto ai miraggi del deserto cirenaico.

Ma la Sicilia è sempre nel cuore. Le radici sono indistruttibili e inestirpabili. Burgio, pur nelle brume del Nord porta racchiusa, come un’inviolabile forziere, tutta la luce della Trinacria.

Indubbiamente partito da un certo realismo guttusiano, pur respingendone le crudezze e talune deformazioni della figura, Burgio ingentilisce forme e paesaggi, sempre attenendosi a certi criteri cromatici e coloristici che rendono la sua pittura corposa e scintillante. Si vedano ad esempio i ritratti di Paola e di Federica, oppure Olivo esposti a Taormina.

A ben giusto titolo e forse più di tanti emigranti, Burgio può definirsi pittore siciliano. Della sicilianità. Egli, anche se Ars est celare Artem, non rinnega i suoi prototipi pur prendendo alcune distanze dai suoi predecessori. Le radici dell’uomo appartengono sempre alla terra che ci diede i natali.

Burgio non lo dimentica, pur se da queste radici coglie fiori e frutti gioiosi e sapidi rielaborati dalla fantasia e dal ricordo lontano.

Un siciliano in Emilia, con la Sicilia nel cuore, negli occhi, nella mente. Un siciliano esule come tanti, ma per ragioni estranee alla sua vocazione nativa e primaria di pittore. La pittura ha colmato, in parte, i vuoti saturi di nostalgia e la nostalgia si è inverata nei colori, trovando in essi, in denso traslato, in una risoluzione liberatrice. Burgio crede nella pittura fatta e sofferta con i mezzi della tradizione, vitalizzata dal suo credo “realista”, pittura in senso lato, attuata come “mestiere” per dirla alla Guttuso (ed il riferimento non è casuale), come mezzo per esprimersi al pari di chi fa poesia, compone musica o si realizza nel canto... Per lui, come per tanti, è uno stato di fatto insopprimibile che lo sottrae alle tensioni della quotidianità e ne opera il superamento.

Giuseppe Burgio dipinge, dipinge, ma sfugge alle tentazioni innovative e sperimentali di tante “avanguardie” vecchie e nuove con cui non intende misurarsi né polemizzare. Non nega gli ascendenti, e del resto non li mimetizza, ma non si identifica con qualcuno in particolare; affiorano come sottofondo culturale. La sua pittura è dunque ancorata ad un filone tutt’ora corrente, anche se ampiamente storicizzato, che neanche la “transavanguardia” è riuscita ad imbrigliare o cancellare. Ma com’è la Sicilia nel suo ricordo? Come la rivive nelle sue opere? Più volte vi è tornato, ripartendo poi con i taccuini zeppi di rapidi appunti e qualche tela; e con il cuore gonfio delle emozioni di un siculo legato alla sua terra. Come la rivive ce lo dicono le sue opere. Appartengono agli anni 60 i volti dolorosi delle “Madri coraggio” e degli operai affranti dalla fatica. Nel decennio successivo il dramma si attenua nella rappresentazione del quotidiano. Ma ora i volti denunziano uno stato di attesa inerte e vana: un senso di attesa delusa.

La si legge negli occhi e nelle figure stanti e pensierose: Paola, Riposo, Pensionato, Conversazione in sala d’attesa. In qualcuna di queste figure fa capolino un incongruo tentativo di stilizzazione, subito represso dall’artista non trovandovi elementi a lui congeniali. Nelle opere ulteriori la pennellata tende a dilatarsi e si spande più sicura, il colore a tratti splende (Lo scialle azzurro), mentre l’espressione dei volti tende a interiorizzarsi. Quindi è il paesaggio a prendere il sopravvento e con il paesaggio le ascendenze si evidenziano in modi in eludibili, ma moderate dalla gratificante foga dell’operare che ha permesso al pittore la ricerca di uno spazio personale, identificabile nella essenzialità della pennellata, nel tocco rapido che tende alla sintesi, nell’accensione della tavolozza.

Il paesaggio in cui l’uomo è assente, è visto nella totalità degli elementi costitutivi o nella esaltazione di uno di essi; i casolari, i faticati muretti a secco, il ficodindia, i tronchi degli alberi solenni e tormentati; gli ulivi in particolare, che talora invadono la tela a pieno campo: un repertorio inesauribile di spunti che annovera illustri precedenti, da Vincent in poi... Questo tema sembra ormai una costante ed è riconducibile al paesaggio siciliano, esaltato dalla commozione del ricordo. Ma in qualche dipinto i filari di alberi frondosi, in ordinate sequenze, oppure coi rami spogli protesi verso un cielo turbolento, ci suggeriscono altri luoghi: qui non c’è il ricordo di Van Gogh, e la Sicilia è lontana. È da leggervi un omaggio alla terra di elezione. In questa fase appare qualche rara immagine di fanciulla: ecco Isabella dagli occhi spauriti.

Ora i colori si fanno arcobaleno; i cieli al tramonto sono gialli e rossi di fuoco, le distese di prati bruci ano e le fronde degli alberi sembrano invase da frotte di farfalle variopinte; felici arbitri cromatici che sottraggono l’opera al pericolo della scontata rappresentazione e che traggono linfa espressiva dalle trasgressioni dei “Fauves” e degli “Espressionisti”, rifusi nel realismo nostrano, di cui Burgio ama tutt’ora seguire le tracce. Le sue opere ne ripropongono l’interpretazione con una partecipazione ed un fervore sempre nuovi, che gli auguriamo non si arrestino.

La pittura di Giuseppe Burgio trasferisce sulla tela le innumerevoli sensazioni che la natura offre ai suoi osservatori, mantenendo infatti gli aspetti realistici dei colori e della luce filtrati attraverso l’occhio della mente e dell’anima, come dice Herman Bahr: «visti con gli occhi di dentro»; coerentemente con la sua matrice espressionistica.

Attraverso questo presupposto Burgio sfrutta lo stimolo pittorico per sviscerare sentimenti sinceri, naturali, legati ad una condizione fluttuante. È una natura pulsante quella che emerge dalle tele dell’Artista dove la presenza figurativa, pur rimanendo una costante, risulta in parte trasfigurata dal gioco dei colori utilizzati in maniera sapiente. La matrice originaria da cui scaturisce l’idea e la forma è fortemente siciliana. In tutti i suoi dipinti, sia quelli concettuali degli anni Settanta, sia negli ultimi di stampo neo-espressionista, si avverte, come un filo rosso, la memoria degli anni trascorsi in Sicilia.

Di una terra rigogliosa, solare, ma anche carica di angoscia, la stessa che esprimono le sue figure femminili, ieratiche ed immobili, colte come in una perenne attesa, o i suoi alberi contorti, come di uno spasmo di dolore. Le sue opere nascondono, dietro l’apparente solarità, una forte drammaticità resa ancora più evidente dai contrasti e dal segno tormentato. Si avvertono fortemente le valenze di una pittura che nasce sì da sensazioni immediate derivanti dall’osservazione del paesaggio, ma traduce affondando nel ricordo che resta impresso nella mente, della sua terra, delle donne, dei profumi, delle sofferenze e delle gioie, dei suoi caldi afosi e dei suoi tramonti di un rosso infuocato.

Burgio ripropone la “sua terra”, quella che non c’è più, perché rifiuta ciò che è stato il suo divenire, la sua trasformazione, la sua distruzione. Ogni opera diventa per Burgio, come dice Melanie Klein, una “ricreazione”, il bisogno ed il modo di trovare nell’arte quello che si è perduto, ridando funzionamento alla propria ragione che vuole riconoscere ed esprimere il proprio mondo. Quella di Burgio è quindi una denuncia della situazione attuale e le sue opere sono metafore, con la consapevolezza di sentirsi ormai solo una “voce fuori campo.”

Com’era la Sicilia al tempo dei Moncada? il titolo della mostra occasione di questa nota impone l’oro come elemento guida, non soltanto figurato, di un cruciale angolo di mondo, di un’epoca, di una leggenda. Era, la Sicilia, così come i testimoni di quel tempo ci dicono fosse.

Ma sappiamo quanto poco attendibili possano essere i testimoni cui chiediamo ragguagli, specie se viaggiatori provenienti da altre parti del mondo. E valga per tutti l’esempio di Goethe, il quale, come tanti altri forestieri, in Sicilia visitò quel che volle visitare, vide ciò che volle vedere (e non soltanto in Sicilia, come ricaviamo dal suo celebre Viaggio in Italia).

Viaggiando verso Caltanissetta, inoltrandosi nel cuore dell’isola, il grande poeta tedesco ebbe un’impressione di «fertilità monotona».

Addirittura monotona, ai suoi occhi, la fertilità in Sicilia, terra reputata a quei tempi, come del resto ai nostri, un’arida propaggine del deserto africano. È interessante questo punto di vista di Goethe, il quale nell’attraversare campi di frumento e di orzo non mancò di rilevare la «grande fecondità del suolo» e di annotare più precisamente che «cavalcando sotto un sole cocente» aveva attraversato un «deserto di fecondità».

Un ossimoro, questo, suggeritogli dal suo ottimistico e particolarissimo preconcetto cui ho fatto cenno. «Molte circostanze», chiosò, infatti, «avranno contribuito a fare della Sicilia uno dei paesi più fertili del mondo». A quella realtà – quella vista da Goethe – s’ispira il pittore Giuseppe Burgio.

E va detto che se quella Sicilia, quella vista o immaginata dall’autore del Faust non esistesse, Burgio la dipingerebbe ugualmente, amorevolmente, ossessivamente.

Sciascia diceva di Guttuso che qualunque cosa egli dipingesse, anche una mela, dentro c’era la Sicilia. E così è anche per Burgio e per molti altri artisti siciliani, specie se andati via dalla Sicilia.

E, sempre dando ascolto a Sciascia, è così anche per la gran parte degli scrittori che, nati in Sicilia, come inconsolabili esuli sono “condannati” a scriverne. A pensarci bene, quel che Sciascia disse di Guttuso, per Burgio si potrebbe addirittura esasperare, perché questo siciliano con residenza emiliana anche in una semplice pennellata ci mette la Trinacria (e uso questo termine perché è la stessa sua voce, il ricordo che ho del suo volto, la sua ansiosa ricerca artistica, a suggerirmelo).

Guardate gli ulivi i campi di grano, le montagne, le nature morte di Burgio: sono la Sicilia reinventata o, meglio, le visioni di un luogo che questo pittore si porta dentro e che sulla tela diventa più reale del reale (e qui l’iper, nelle sue tante significazioni e sfumature, non c’entra). Giuseppe Burgio non è un intellettuale, come non lo è il sottoscritto. È un artista che sa guardare il paesaggio, sa ascoltarlo, leggerlo, decifrarlo. Ed è un dono immenso, questo, perché il paesaggio sa comunicare meglio degli esseri umani che lo abitano, racconta storie, miti e leggende, tutte rintracciabili lì, tra i fili d’erba, tra gli alberi, nelle pietre, lungo i valloni desolati che il nisseno Burgio si porta nel cuore.

Viene dalla terra dello zolfo, Burgio. E questo lo ha segnato come artista e come uomo. Con un piccolo sforzo d’attenzione chiunque potrà notare nei suoi quadri come un lamento pietrificato, come un pianto a stento tenuto a freno. È la Sicilia di Caltanissetta a mostrarsi in queste tele. Dei Moncada e di oggi.

La Sicilia interna, che sa come affascinarti, che ti abbraccia e ti lusinga col sorriso del sole e i suoi immensi cieli, con i suoi incomparabili balconi protesi sul mare di Omero, ma che non può fare a meno di gemere, afflitta dalle sue piaghe antiche e recenti.

Chi, come me, è nato sulla costa settentrionale della Sicilia, ai piedi di quell’Appennino formato dalle Madonie, dai Nebrodi, dai Peloritani, al di qua vale a dire di quella barriera o muraglia che separa l’Isola in Nord e Sud (si anche in un microcosmo come quello siciliano ci sono separazioni, differenze), chi è nato sulla costa tirrenica crede che il resto del mondo, che il mondo sia solamente quello al di là del mare, sia il “Continente”.

E ha guardato sempre in quella direzione, a raggiungere questo mondo ha sempre aspirato (e lo ha raggiunto in passato emigrando; lo raggiunge oggi accettando supinamente il gran messaggio pubblicitario, la legge dei consumi che questo mondo gli impone). Perché alle spalle, dietro la muraglia dei monti non era il vuoto, il deserto: un passato remoto, una storia estinta (di cui non restava che qualche pietra corrosa): illic sunt leones avrebbe scritto in una sua eventuale carta geografica.

Non leoni sono in quei luoghi, nella Sicilia dell’Ennese, del Nisseno, dell’Agrigentino, ma vi è sicuramente un’umanità diversa, di diversa storia: Di una storia “forte”, nata da forti, netti contrasti. Qui sparivano le acque e i verdi fitti, il cupo verde degli agrumi e quello argenteo degli ulivi, sparivano i confini, i piccoli campi scanditi dai filari di cipressi spartivento, le misure brevi d’una parca economia, il fragile equilibrio della piccola proprietà, dei villaggi di misura minima e rassicurante. Qui si entrava nel regno della nudità e dello squallore, delle plaghe sconfinate, dell’aridume e del pietrame. In questo regno del latifondo, del feudo da sempre rapinato e desertificato, il contadino senza terra, il bracciante, sperduto in quella vastità senza speranza, spoglio d’illusioni, poteva soccombere o salvarsi.

Alzarsi prendendo coscienza di sé e della sua storia, degli altri relegati a una uguale sorte e condizione. E qui dunque, sopra il latifondo (e in questa realtà sotterranea, ancora più dura e disperante ch’era la zolfara), è sorta la Sicilia dell’accento più aspro, del colore più acceso, dell’assenza di ombre, velature: la Sicilia più reale, più vera. A guardare i quadri di Giuseppe Burgio (un amico che ritrovo qui al Nord dopo più di un quarto di secolo, che conobbi al tempo in cui dal mio paese sul Tirreno andavo fino a Caltanissetta per scoprire quel mondo dell’interno tutt’affatto diverso dal mio) si legge subito quella realtà: nelle linee, nei colori, nei toni.

Sono illuminati I quadri di Burgio, da una luce cruda, impietosa, una luce orizzontale che sembra venire da un sole di meriggio estivo. È una luce di memoria, la sua, una luce che rivela scorci, squarci, scene lontane del passato, più vive e vivide di altre vicine del presente.

E i cieli e i campi sono di un rosso acceso, come di un incendio immane, d’una apocalisse. Gli alberi – solitari ulivi quasi sempre, dai tronchi tormentati, nodosi, avvitati in sé stessi, sono di un bianco calcinato, come di carcasse di animali.

E anche le pietre, i muretti a secco, gli intonaci e le tegole di sperdute casupole, sono d’un bianco d’ossa, di un ossario, d’un reliquiario del rimpianto. Abbiamo parlato fin qui dei paesaggi: Nelle figure invece si cambia linguaggio. I colori e i toni sono più pacati, più teneri, più elegiaci. Siamo in una galleria di affetti e consolazioni privati dove si stempera il dramma, da dove si riceve effusione e dolcezza. Paesaggi e figure sono quindi in un contrasto netto che è quello della terra in cui questa pittura è nata: nella dimensione esterna è la minaccia, della natura e della storia; in quella interna è la sicurezza e il conforto.

Quando una cosa sta dentro di noi dalla nascita, è destino che vi resti per sempre. Forse subirà trasformazioni, accentuazioni, a volte appannamenti, ma la sua presenza sarà costante. La luce siciliana ha accolto Giuseppe Burgio quando ha pensato di aprire gli occhi alla vita in quel di Caltanissetta, in questo angolo di mondo nell’interno dell’isola regina, dominatrice del Mediterraneo. Quella luce accecante che gli faceva socchiudere le palpebre a fessura, che aumentava a dismisura i contrasti con le ombre, che magnificava i colori privandoli a volte delle sfumature. Un forte impatto visivo, quasi violento, che ha segnato in modo indelebile la sensibilità dell’artista, che gli ha guidato e ancora gli guida prepotentemente la mano, dopo decenni di vita nella pianura padana, dove l’umidità del grande fiume filtra la luce, ammorbidisce sia le forme che i colori.

Il paesaggio assolato cetro-mediterraneo, Giuseppe Burgio se lo porta dentro. Non ha più nemmeno bisogno di vederlo per dipingerlo, ormai fa parte del suo patrimonio genetico. Una pittura dal deciso accento siciliano, dato da un retaggio culturale radicato nella gente dell’isola.

Una cultura che spazia dall’esaltazione decorativa di origine moresca, ai cromatismi intensi dell’artigianato tradizionale, alla grafia intensa e corposa di Guttuso e Migneco. Dominanti cromatiche costituita da colori puri, dominanti segniche determinate dalla descrizione della natura e dei suoi prodotti, puntualmente definiti, perfettamente riconoscibili al primo sguardo, anche se alterati da una ipermnesia magnificante, indotta dal ricordo e forse dalla nostalgia. Sensazione che colpisce in particolare quando si guardano gli ulivi, che, con le loro intriganti contorsioni, sono gli alberi più “artistici” ed espressivi che esistono in natura, questa natura che tante volte si diverte a precedere le scelte stilistiche, in chiave di espressionismo informale, di quegli artisti protèsi ad una interpretazione della realtà che vada oltre i soliti schemi accademici del linguaggio pittorico. In arte la natura non può essere semplicemente imitata o” trascritta” se prima non è stata scomposta e ricomposta; non può essere solo osservazione ma sperimentazione incessante.

Giuseppe Burgio, artista vero, non si è limitato, in un’ottica di sfruttamento del successo, a proseguire sulla strada della descrizione espressionista di un mondo che gli è caro, ma, negli ultimi tempi, ha voluto coinvolgere maggiormente l’osservatore nel suo lavoro di ricerca. Ed ecco che si impegna in un ciclo pittorico dove la simbologia e l’allegoria del “rifiuto” sono il tema dominante. Dal rifiuto industriale, al rifiuto solido urbano, al rifiuto umano, sono tutti elementi coi quali l’artista cerca di attrarre l’osservatore nel labirinto magico della “creazione” condivisa, coinvolgendolo nella percezione e nella messa in chiaro del materiale simbolico. Con questa operazione l’artista si avvale degli elementi dell’informazione, della percezione visiva e della psicologia sperimentale, senza per altro limitare o diminuire il valore dell’impianto storico-artistico di uno stile consolidato, che già vive di una sua storia, anche se proiettato verso nuovi orizzonti di ricerca.

L’amicizia che mi lega a Beppe Burgio ha i connotati della rapidità, una specie di visto e piaciuto tra un momento e l’altro del suo andare assiduo dall’Emilia al Veneto, al Friuli dove appunto l’ho conosciuto durante una tappa fugace: Anche nell’aspetto fisico, Burgio propone di sé elementi di rapidità: asciutto, sintetico nei tratti affilati del viso, sgusciante nei movimenti, lo sguardo nobilissimo. Quello che più mi ha convinto in questo nostro rapporto fortemente rateizzato è stato lo scoprire che egli si è tuffato nella vita con l’ecclettismo di un acrobata attingendo qua e là quello che gli piaceva, musica, letteratura, poesia e pittura.

Ecco la pittura. Nella pittura egli ha trovato sicuramente la sua vocazione più precisa. Il suo girovagare quasi frenetico non lo rende ansimante, non gli impedisce di mantenere in tensione il filo dell’ispirazione.

Incominciò da ragazzo con gli schizzi fissati sull’album di carta Fabriano, poi proseguì con le tele e le incisioni a dipanare la matassa dei sentimenti e delle emozioni che fluivano dai pastelli colorati e dai pennelli, assumendo forme nervose pervase da una drammaticità solare.

Burgio è siciliano, nisseno, nel mondo della sua adolescenza e della giovinezza hanno preso consistenza crescente atmosfere d i un ambiente come triturato dentro una luce accecante che non lascia scampo: la sicilianità come elemento fondamentale della anamnesi artistica, come passaporto, carta d’identità e carta di credito. Certo, questa sicilianità assume in Burgio un significato e un valore prorompenti, non è soltanto un richiamo ai segni abbaglianti dell’età verdissima nei quali sono affiorati la sua essenza esistenziale e l’amore per l’arte, ma è uno stato d’animo nodoso, complesso e nello stesso tempo esemplarmente lineare. Va detto subito, nell’arte di Burgio non vi sono né follie, né fobie, c’è l’indifferenza per tutto quanto non attenga al vigore di una rappresentazione drammatica della realtà, si tratti di figure che paiono scavate col bulino dentro una materia nella quale si specchiano millenni di storie sofferte, agre, in cui si fondono amore, paura, fierezza e rancore, come di paesaggi di alberi, di foglie colti nella loro ansia di cielo e di luce.

Una pittura evidente, senza mediazioni e sotterfugi, per niente furba, un rimando spontaneo all’immutabilità eterna del tempo e alle memorie storiche delle cose. Segni senza perplessità, decisi e inequivocabili come sentenze perentorie dentro la turgescenza dei colori. Burgio ha stipato nell’anima questo bagaglio di sensazioni, ricordi e stimoli primordiali e se l’è portato in giro per l’Italia e per il mondo. In macchina assieme alle valige ci sono nel bagagliaio tele, pennelli e colori che trasformano in ateliers improvvisati le camere d’albergo così asettiche e impersonali, alle quali approda magari per una notte.

Guardando i suoi quadri si capisce che per lui la pittura rappresenta un’urgenza incontrollabile, una specie di raptus orgiastico il cui punto di riferimento è la luce del sole, il sole speciale affettuoso e minaccioso di una Sicilia incubata nel profondo, metabolizzata, sublimata nell’ideale.

Negli anni 60 incontrai gli astratti grattacieli, i coloratissimi colpi di pennello su tele intensamente maculate, le sagome stilizzate, le realtà surreali e stimolanti, gli eclettici arabeschi compositivi, le grafiche eccellenti di un giovanissimo artista nisseno: Giuseppe Burgio. Di lui scrissi tutto il bene possibile perché soltanto tutto il bene possibile si può esprimere di un pittore definito allora “positivamente emergente”, ma già dotato di un talento non meramente potenziale, ma concretamente futuribile e propositivo. Vidi giusto. Oggi, allo spirare dei sei lustri da quel primo incontro, riscrivo di Peppe Burgio nella felice riconferma di un giudizio critico nei confronti di un talento unanimemente codificato. È mutato il suo modo di dipingere. Ma ho ritrovato intatti tutti i caldi contenuti pittorici delle sue opere nell’antiaulica atmosfera di corposi discorsi intimistici che penetrano benissimo nel razionalismo figurativo che l’artista vuole e riesce esprimere. C’è poi una gioiosa e “sicilianissima” esplosione del colore ad arricchire affreschi ed immagini di istintiva bellezza cromatica. Alberi, paesaggi, volti, descrizioni panoramiche di tetti, di case, di cieli sono interpretazione di un espressionismo romantico che svela e rivela la riflessione passionale di Burgio sui temi che egli predilige e che traduce con grande perizia nel disegno e nella coerenza narrativa dei soggetti e degli oggetti dipinti, il tutto a ribadire l’equilibrio essenziale tra l’ispirazione e la figura nell’evocazione reale, mai canonica, di un mondo strettamente legato e connesso con le assonanze vitali dell’Autore. Da individuare un magnifico rapporto tra l’artista e l’ambiente, tradito in rigorosa ed intelligente esecuzione del lirismo pittorico che Burgio realizza in modulismi artistici di verghiano verismo. Linee e volumi (al di là di sterili simbolismi) aderiscono infatti con ammirevole continuità veristica al compositum d’insieme nel riscontro di una osmosi analitica ed empirica tra studio ed ideazione, tra interiorità intellettuale ed impeto umano. Il Burgio non mistifica i messaggi, né adultera il monologo emozionale nel rappresentarli. Rimane integro infatti il suo costante dialogo con la sicilianità che si porta dentro e che converge in sintesi descrittiva secondo una modulazione cromatica viva e sanguigna nella variopinta tavolozza dei paesaggi, dei volti, delle sue antiche e ricorrenti “finestre” aperte su un mondo apparentemente conosciuto, ma ancora tutto da scoprire.

Peppe Burgio rifugge da racconti favolistici avendo superato da tempo le tematiche astratte, eppure i toni di una palpabile poesia pittorica sono presenti in tutte le sue opere. Gli elementi della sua pittura, dagli alberi ai cieli, ai volti, alle distese verdeggianti, costituiscono primi piani d’autore nei quali tristezza, squarci di serena contemplazione, sconfitte e ritorni alla vita sono attuali protagonisti del nostro tempo e del nostro modo di “vedere”, di “pensare”, di “esistere” ed è personalissima questa genuina maniera del comunicare con gli altri attraverso gli universali canali del linguaggio pittorico che non è soltanto frutto di un elaborato mestiere, ma galattica compenetrazione dei nostri sentimenti e nei segni più veri del nostro essere isolani, con i nostri colori, con le nostre contraddizioni, con le nostre esaltazioni, con le nostre miserie, il tutto nell’estetica ricerca di cromatismi essenziali che solo un vero artista siciliano sa realizzare e donare. Ed in questa direzione, al di là di ogni rituale opinione, Peppe Burgio è un pittore siciliano al quale va tutta la nostra gratitudine.